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Articles complémentaires - pour vous aider à choisir votre méthode

L'apport des couleurs dans l'apprentissage de la guitare...

« Des couleurs et tout devient plus facile »

L'usage des couleurs est un aspect important de la pédagogie innovante utilisée dans nos cours et manuels. Vous trouverez dans les documents de ce site une approche pédagogique originale (basée notamment sur l'utilisation des couleurs) grâce à laquelle les efforts « intellectuels » que vous devrez fournir seront moindres pour un résultat bien plus satisfaisant qu'avec l'enseignement classique et en noir et blanc !...suite

Rendre simple ce qui paraît compliqué !
Grâce aux couleurs, il devient possible d'aborder avec une facilité déconcertante des notions parfois complexes qui posent souvent problème même à des guitaristes expérimentés. Le message qui revient souvent : « Je suis excellent en technique, mais j'en ai marre de ne rien comprendre à ce que je fais ! ».

L'une des raisons à ce problème, c'est qu'ils ont appris essentiellement en faisant travailler leur mémoire, mais sans avoir eu accès aux concepts fondamentaux, souvent perçus comme rebutants et inaccessibles. Or, la mémoire sans la compréhension, ça finit par être frustrant quand on veut commencer à créer... ou simplement apprendre plus vite !

Avec les couleurs, comprendre et créer devient facile
Ne trouvez-vous pas dommage de se priver de ce "plus" qui ouvre les portes de la création : improvisation, composition... ? De se priver de l'immense plaisir de voir "sortir de soi" une oeuvre qui prend forme peu à peu ? De ne pas profiter d'une compréhension supérieure pour apprendre bien plus facilement des grilles d'accords et des mélodies ?

C'est d'autant plus dommage que, grâce aux couleurs, pour peu que l'on prenne le temps de se familiariser avec le concept, cela devient un jeu d'enfant ! "Basculer" de l'état de "perroquet" à celui de "créatif conscient" devient ainsi à la portée de tous. C'est à ce projet-là que nous nous consacrons à travers nos publications.

Principes et avantages des couleurs
L'idée est des plus simples et pourtant d'une efficacité facile à vérifier : une couleur correspond à chaque note ou degré d'une note dans une gamme. Par exemple do est rouge, sol est bleu ... Ou bien la tonique d'une gamme ou d'un accord est noire, la quinte orange... Une fois familiarisé avec ce code de couleur (ce qui est très rapide), tout devient ensuite évident : les notes sur le manche, l'harmonie, la construction des accords, les gammes... Parmi les avantages des couleurs, il y en a deux qui sont très pratiques :

1/ Elles permettent de rassembler beaucoup plus d'informations sur un faible espace, et ce de façon très claire.

Exemple : sur un même diagramme d'accord, vous pouvez non seulement mettre les informations habituelles (position des notes) mais aussi la valeur de l'intervalle qui les sépare de la tonique (tierce, quinte...). Voici par exemple une représentation classique en noir et blanc de l'accord A7 (La7)

On voit tout de suite où sont les tonique (noir), tierce (bordeaux), quinte (orange) et septième (jaune). A quoi cela peut-il servir de le savoir ? Par exemple à modifier l'accord sans recourir à un dictionnaire. Ainsi, si vous abaissez la tierce d'un demi ton (recul d'une case), vous obtiendrez Am7 ci-dessous

Et si, au contraire, vous augmentez cette tierce d'un demi ton (elle devient alors une quarte, en bleu), vous obtenez A7sus4. Tout cela en ne connaissant qu'un seul accord ! Vous pouvez en savoir plus sur ces différents moyens de passer d'un accord à l'autre en lisant l'ebook « Les accords en couleur ».

Le même principe est appliqué aux gammes et à leurs positions de jeu (motifs) sur le manche. Voici par exemple une représentation classique, en noir et blanc, d'un motif de la gamme blues Et le voici en couleur : la nature des différents degrés de la gamme saute aux yeux. En particulier la note blues (quinte diminuée, en orange avec un signe «-»), entourée d'un cadre bleu (c'est la fameuse « blue note »).

Un exemple d'application très pratique pour jouer avec d'autres : connaître la tonique permet de s'adapter instantanément à n'importe quelle tonalité. Ce qui revient simplement à savoir à quel endroit du manche on va déplacer ce motif : par exemple, si l'on joue en A, c'est sur la note A qu'on va positionner la tonique de notre diagramme.

2/ Les couleurs font davantage appel à notre « cerveau créatif » que le noir et blanc et facilitent ainsi la compréhension, la synthèse et la mémorisation d'informations. Grâce aux deux codes de couleurs (très faciles à apprendre) que nous utilisons, la compréhension et la mémorisation de notions parfois complexes devient un jeu d'enfant.

Cette idée simple mais géniale était déjà proposée par Marcel Dadi dans sa fameuse « Règle à Dadi », qui nous a inspiré l'un des codes de couleurs que nous utilisons et que nous appelons « code relatif ».

Les possesseurs de cet outil génial (et devenu très rare) s'y retrouveront donc sans problème dans nos cours et manuels. Et ceux (les plus nombreux !) qui n'ont pas la « Règle à Dadi » pourront néanmoins bénéficier de la richesse qu'offre cette utilisation des couleurs.

Bref, cela facilite énormément les choses que de penser la guitare (et même la musique en général) en terme de couleurs !

La musique devient visuelle et vous pouvez non seulement apprendre à jouer de la guitare mais aussi vous mettre à composer et à improviser sans attendre des années d'étude musicale. Savez-vous que vous apprendrez infiniment plus vite et de façon bien plus enrichissante si vous commencez à improviser et à composer dès vos débuts de guitariste ?

De plus, cela vous aidera à mieux comprendre la structure des oeuvres de vos musiciens préférés. Il est bien plus facile et agréable d'apprendre un morceau quand on en a compris la structure, les lois fondamentales, que de se contenter d'un pur effort de mémoire, sans rien comprendre à ce que l'on joue.

Même si l'on fait appel au plus sophistiqué des logiciels d'apprentissage. L'ebook « La composition en couleur » vous donnera les bases nécessaires et suffisantes pour créer vos premiers chefs d'oeuvres !

Guitare et Couleurs

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Apprendre la Guitare


Le concept Guitare-et-couleurs vous semble compliqué ?

C'est ce que vous pourriez être tenté(e) de penser, surtout si vous débutez, en parcourant certains de nos ebooks gratuits. Il faut admettre que, pour des gratuits, leur contenu est plutôt riche ! Mais ne vous laissez surtout pas tromper par les apparences : vous commettriez une erreur qui vous priverait de grandes satisfactions ! Plus simple que d'apprendre à utiliser un téléphone mobile !...suite

En fait, sa "prise en mains" n'est pas plus compliquée que celle de tout ce qui fait votre quotidien aujourd'hui, et dont vous auriez peut-être du mal à vous passer : votre voiture, votre téléphone mobile dernier cri, votre PC, votre appareil photo numérique, etc.

Le concept guitare-et-couleurs : pas plus compliqué que d'utiliser un téléphone mobile !Imaginez la réaction de quelqu'un qui n'a jamais vu un téléphone mobile ou un PC : « Qu'est-ce que c'est compliqué, ton truc ! » Et vous lui répondriez probablement : « Ne t'en fais pas, si je sais m'en servir, tu peux aussi y arriver ».

Le petit effort que vous avez eu à fournir pour apprendre à utiliser ces "outils" a été largement récompensé par les satisfactions qu'ils vous apportent. Sans eux, il y a des choses qui seraient bien plus compliquées à réaliser, et d'autres carrément impossibles !

Pour le concept Guitare-et-couleurs, c'est la même chose...
Une fois que vous l'avez compris (ce qui prend moins de temps que de lire la notice d'un téléphone mobile !), vous commencez à en mesurer l'immense portée, tant en terme d'apprentissage et de perfectionnement que de créativité (composition, improvisation...). Il y a une foule de "guitarnautes en couleur" qui ont fait avant vous le pas d'« entrer dans le concept guitare-et-couleurs » et ils ne le regrettent pas. La plupart se demandent même comment il faisaient AVANT...

Exactement comme quand on se dit : « Mais comment peut-on vivre sans voiture, sans PC, sans téléphone mobile... ». Bien sûr, qu'on peut, et tant mieux ! Mais il y a des choses que le progrès apporte et que l'on apprécie d'utiliser. Le concept Guitare-et-couleurs s'inscrit dans le progrès. Un progrès qui aide à faire mieux sans pour autant asservir. Au contraire : en comprenant ce que l'on fait, on avance tout en restant autonome.

Comme le dit un utilisateur : Votre méthode est « une base que tout guitariste devrait se procurer ».
Oui, mais si je débute "à 100%" ?
Même si vous n'avez jamais touché une guitare de votre vie, soyez tranquille !
Vous n'aurez à fournir aucun effort de prise en mains. Avec la Méthode Guitare-et-Couleurs pour Débutants, l'acquisition du concept est aussi naturelle que l'apprentissage de la marche pour un bébé.

Il vous suffit de suivre le "fil conducteur" : vous êtes guidé(e) pas à pas et, sans même vous en rendre compte, vous intégrez rapidement des notions que bon nombre de guitaristes apparemment plus avancés n'ont toujours pas comprises !!! En comprenant ce que l'on fait, en développant sa créativité dès la première année d'apprentissage, on apprend plus vite et, surtout, on "apprend à apprendre".

Du coup, on accède à un niveau plus élevé sans attendre des années comme avec la plupart des méthodes traditionnelles. L'important, c'est la vision d'ensemble... Et si vous avez déjà quelques notions, prenez le temps de vraiment mesurer ce que les différents documents Guitare-et-couleurs peuvent vous apporter. Vous ne le regretterez pas !

Le concept Guitare-et-couleurs vous permet d'apprendre et de vous perfectionner à la guitare en cultivant une vision d'ensemble : au lieu de regarder seulement vos pieds, vous embrassez l'horizon ! Cette vision d'ensemble est ce qui manque le plus souvent, en musique comme ailleurs. Elle permet de savoir plus en apprenant moins ! De comprendre ce que l'on fait, pourquoi on le fait, à quoi ça mène. D'utiliser son temps efficacement. De déployer sa créativité. D'être libre, quoi !

Ce qui manque aussi très souvent, ce sont des "facilitateurs pédagogiques". Vous savez, ce qui aide à comprendre et à retenir sans effort ! Les couleurs en font partie, vous vous en doutiez. Le grand Marcel Dadi s'en était bien rendu compte le premier, quand il a mis au point sa fameuse "règle à Dadi"

En conclusion...
Les quelques instants que vous consacrerez à la "prise en mains" du concept Guitare-et-couleurs vous permettront de gagner un temps fou et d'avancer nettement plus vite par la suite.
Et si vous débutez à "100%", si vous n'avez jamais touché à la guitare (ni même à la musique en général), vous serez même dispensé(e) de cette étape : la "prise en mains" est totalement "fondue" dans la Méthode Guitare-et-Couleurs pour Débutants, de sorte que vous "entrez dans le concept" naturellement et sans aucun effort.

Guitare et Couleurs

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Dans quelle position jouer de la guitare ?

Il est certes plus facile de jouer assis, surtout quand on est débutant. Et il vaut mieux commencer comme ça pour éviter de cumuler les difficultés....suite

Le problème, c'est que la tendance naturelle du débutant, c'est de jouer affalé sur sa chaise, le dos et le cou tordus à force de regarder le manche !

Or, si regarder le manche est utile de temps en temps, il ne faut tout de même pas en devenir dépendant.

Donc, dès que vous le pouvez, entraînez vous aussi à jouer sans regarder le manche : vous vous habituerez ainsi à faire confiance à vos doigts autant qu'à votre vue. La "mémoire des doigts" a un rôle essentiel quand on joue de la guitare (ou tout autre instrument).

De même, dès que possible, jouez "comme sur scène", debout avec la sangle.

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Les différentes sortes de guitares

On parle toujours de "la" guitare ("Tu joues de la guitare?"), mais l'instrument est multiple ; on pourrait même dire qu'il s'agit en fait de plusieurs instruments différents. En voici quelques exemples :...suite

1) La guitare classique

C'est l'image la plus courante, parce que c'est la forme la plus ancienne (introduite en Espagne par les Arabes au IXème siècle, mais elle a bien évolué depuis) ; et aussi parce que le prestige du classique, musique savante, étouffe les formes concurrentes, du moins dans les dictionnaires et encyclopédies, et souvent dans l'enseignement.

Voici ses caractéristiques :
* La caisse de résonance est relativement petite ; le chevalet est assez près de l'extrémité;
* Le manche est large et plat ; il se rattache à la caisse au niveau de la 12ème case (correspondant à l'octave);
* La tête est évidée, pour laisser passer les mécaniques qui tendent les cordes, et qui sont placées sur les côtés ; ces mécaniques sont groupées par trois sur un même montant : si 1 casse, on en change 3;
* Les cordes sont douces, elles sont en nylon (3 aiguës), et nylon fileté de métal sur les 3 cordes graves ; elles sont enfilées dans le chevalet, attachées par un noeud.

Il existe de nombreuses marques pour les modèles économiques, mais les modèles professionnels sont construits par des luthiers, à la main.


2) La guitare folk

La conception en est plus récente (XIXème siècle, perfectionnée au XXème), et elle est américaine : on ne s'étonnera donc pas de ce que les modèles professionnels proviennent de grandes marques américaines, même si les instruments de très grande qualité sont construits par des luthiers, mais souvent pour les marques en question, et portant leur nom : Martin, Gibson, Guild.

* La caisse de résonance est grande, et le chevalet apparaît plus centré ; cette forme donne des basses puissantes ; il existe des modèles à petite caisse, qui ont d'excellentes aiguës, et d'autres avec des formes plus bizarres (ex : "jumbo");
* Le manche est assez étroit, et il est bombé, ce qui permet d'utiliser le pouce pour jouer des notes basses ; il se rattache à la caisse au niveau de la 14ème case, et est donc plus long que le manche classique;
* La tête est pleine, et les mécaniques sont attachées par en-dessous ; elles sont individuelles (il y en a six);
* Les cordes sont métalliques : acier (2 aiguës), et acier fileté de bronze le plus souvent sur les 4 cordes les plus graves ; elles sont donc plus dures ; il existe plusieurs "tirants" (épaisseurs, tension) ; elles sont fixées dans des trous verticaux percés dans le chevalet, tenues par des chevilles (en plastique, ou en os, parfois en bois, et les éléphants ne recommandent pas l'ivoire).

La guitare folk est construite pour être puissante, en particulier dans un certain style où il s'agit d'accompagner un banjo, une mandoline, un violon, etc., et de pouvoir sortir un solo.


3) La guitare électrique

C'est en fait un autre instrument, même si on peut jouer Jeux Interdits sur une électrique ou sur une acoustique (dite "sèche"). En réalité, le jeu du musicien est très différent.

* Il n'y a pas de vraie caisse de résonance, le corps de la guitare est plein et plat;
* Le son est produit par des micros (2 ou 3), constitués de bobinages de cuivre autour de petits aimants (un par corde, pour un micro) ; ils transforment les vibrations des cordes en signaux électriques, qui sont transmis à un amplificateur. Les sons peuvent être considérablement modifiés par l'électronique;
* La forme du corps n'a en principe guère d'importance, et on en voit de très biscornues ; pourtant, elle joue sur la nature du son (les connaisseurs apprécient la "rondeur" procurée par des guitares assez massives);
* Le manche est fin et bombé, pour permettre un jeu facile et rapide;
* Les cordes sont nécessairement en acier, pour que leurs vibrations puissent être captées par les micros ; elles sont fines, souples, pour permettre certains effets.

Les plus réputées sont produites par les grandes marques américaines, Gibson et Fender surtout ; certaines marques japonaises (Yamaha, Ibanez...) peuvent pratiquement rivaliser en qualité, et il existe aujourd'hui de nombreux modèles venus d'Asie (Corée, etc.). On peut toujours acheter des pièces de qualité pour modifier un instrument de niveau inférieur.


4) Autres modèles

Il existe encore d'autres types de guitares différents.

Ainsi, la guitare Jazz est intermédiaire entre l'acoustique et l'électrique :
* Elle possède souvent au moins un micro;
* Elle possède aussi une caisse ou une demi-caisse de résonance, qui joue beaucoup sur la nature du son ; souvent, un "pan coupé" permet de monter plus haut dans les notes aiguës ; au lieu d'une rosace ronde, elle possède des ouvertures en "ouïes";
* Les cordes, en acier, sont plus dures que sur une guitare électrique normale, car on n'utilise pas les effets "blues".

Les plus réputées sont souvent encore les Gibson.

La guitare-dobro :
Dobro est en réalité une marque, celle des Dopera Brothers, qui inventèrent en 1920 ce modèle puissant à résonateur métallique, et même à caisse métallique, utilisé à l'origine par les bluesmen noirs pour jouer en plein air, et à l'occasion... se défendre! On en joue d'ailleurs, assez souvent, en Blues, au "bottleneck", qui est à l'origine un goulot de bouteille (ça ne coûte pas cher, mais ça coupe!), remplacé avantageusement par un tube en verre ou en métal, un tronçon de guidon de vélo par exemple ; on en sort des glissés harmonieux oh! combien, surtout quand ils sont bien joués. En Country Music, on utilise le dobro à caisse de bois, avec parfois des effets hawaïens assez sirupeux, et en Blue-Grass avec virtuosité.

Bernard BOUILLON

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Les accessoires

1) Les cordes

Il ne faut pas se fier à la qualité médiocre des cordes qui sont montées d'origine, d'autant que toutes les mains qui essayent à tour de rôle en ternissent la clarté. Un bon jeu de cordes neuves peut améliorer considérablement la qualité sonore de n'importe quel instrument....suite

En folk, on utilise des cordes en bronze (en fait, acier fileté de bronze sur les 4 plus graves). Le bronze au phosphore donne la sonorité la plus brillante. Là encore, les marques sont multiples ; d'Angelico et d'Addario ont connu leur heure de gloire, mais bien d'autres sont venues ensuite. Ne pas se fier à une grande marque (Martin, Adamas) : elles sont chères ; bonnes, mais pas forcément meilleures que d'autres plus économiques.

Principe de base : ne jamais dépasser en dureté ce que la guitare est capable de supporter.

Ainsi, sur une guitare classique, il faut mettre des cordes en nylon, et non métalliques, sous peine de voir votre chevalet préféré bondir à la figure de la copine qui vous écoute amoureusement. Sur une guitare folk, seules les grandes marques américaines, aux renforts solides, sont capables de supporter les cordes les plus dures. Sinon, la table se gondole et le manche se contorsionne, mais pas le guitariste. Voici les différents tirants :

Extra-light : souples ; pour débuter, ou pour jouer "blues", avec des effets. Conseillées sur beaucoup de guitares moyennes.
Light : dureté moyenne, usage courant, assez sonores.
Medium : cordes dures, pour jouer fort, avec des doigts solides, et une guitare encore plus solide : une Martin.
Heavy : très dures, réservées aux professionnels américains qui ont des paluches de bûcherons et une guitare d'exception, ou alors juste pour faire un essai qui peut être fatal à l'instrument. A déconseiller si on n'a pas une BunkerGuitar.
"Nashville" : ce n'est pas un tirant, mais un montage spécial. On prend un jeu de cordes souples ; on monte la 1ère corde en 2ème, la 2ème en 3ème, et ainsi de suite (la 6ème servira à accrocher le linge) ; pour la première corde, on monte une corde fine de guitare électrique (009). Cela donne un jeu très facile, peu puissant, propre à jouer en style "blues", comme sur une guitare électrique.

Signalons que les magasins bien fournis vendent des cordes à la pièce, ce qui permet de remplacer celles qui cassent le plus : dans l'ordre, la 3ème, la 1ère, la 4ème. On peut repérer le tirant (diamètre) de chaque corde sur les pochettes, et se fournir en conséquence, à son goût, à condition de conserver un équilibre entre les graves et les aiguës.


2) Le capodastre

C'est un accessoire indispensable, qui permet de jouer dans n'importe quelle tonalité en conservant des doigtés faciles, sur les accords de base. Indispensable à celui qui ne joue que de l'accompagnement, il permet de chanter dans sa propre tonalité, sans forcer sa voix.

Le principe en est de barrer l'ensemble des cordes, par exemple en 3ème case, ce qui monte tout d'un ton et demi. On joue un accord de sol, qui produit en fait un si bémol, évitant un accord difficile avec un barré.

Certains modèles de capo sont à visser, et s'utilisent surtout sur des guitares classiques. D'autres sont à élastique, ou avec un système de crans. Sur une guitare folk, il faut un capo un peu courbé, car le manche est bombé.

Certains maniaques disent ouvertement : « Un bon guitariste doit savoir se passer de capo, c'est une facilité. » C'est vrai en classique : on n'imagine pas un grand concertiste usant de cet accessoire, d'autant qu'il utilisera dans son style toute la tessiture de l'instrument (de la note la plus grave à la plus aiguë). C'est faux en accompagnement, et c'est faux aussi en folk : ces deux styles utilisent la sonorité des cordes à vide, qui résonnent même quand on joue sur les autres ; le capo permet de garder un équilibre de résonance entre toutes les cordes, alors que dans un barré, la main entière posée sur le manche étouffe une partie du son.


3) Les onglets

Le folk utilise un onglet de pouce, en principe en plastique, qui sert à renforcer les basses pour la technique du picking. Certains ajoutent des onglets de doigts, en métal ou en plastique, qui donnent de la puissance mais font perdre toutes les nuances.
L'accompagnement et la technique folk du Blue-Grass nécessitent un médiator, en plastique, de préférence triangulaire pour une meilleure tenue, avec une dureté moyenne pour éviter les bruits de claquement.

Bernard BOUILLON

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Entretenir sa guitare

1) Les précautions

Un instrument en bois est sensible, il peut évoluer en bien ou en mal ; si on veut le conserver en bon état, certaines précautions s'imposent :...suite

* Ne pas laisser la guitare près d'une source de chaleur : chauffage central, ou pire, chauffage par le sol, qui fait monter les varices et craquer le bois.
* Éviter les écarts rapides de température ou d'humidité : on sort la guitare par -20°, puis on la rentre dans une HLM surchauffée et crac! des allumettes.
* Ne jamais emporter sa guitare sur la plage : le soleil fend le bois, le sable s'incruste dans les mécaniques, et le sel fait rouiller tout ce qui est métallique.
* Ne pas pendre une guitare comme on le voit trop souvent dans les magasins ; contrairement à celle des pendus, la corde ne porte pas bonheur.
* A la maison, et chaque fois qu'elle ne sert pas, il faut ranger la guitare dans son étui, et à plat si possible : c'est mieux qu'une housse ; il protège des coups, des chutes, des écarts de température, etc. Les bricoleurs peuvent se construire un étui solide et bon marché, en contreplaqué, en forme de cercueil pour chien...


2) Le nettoyage

Le bois s'entretient, avec une cire pour meubles, qui nettoie et protège. Mieux vaut ne pas laisser la crasse s'incruster, tant sur le manche que sur la caisse.
Les cordes aussi peuvent se nettoyer! Au bout de quelques heures de musique, la sueur ou la graisse à frites sur les doigts ternissent le son, mais ce n'est pas une raison pour changer de cordes toutes les semaines. On trouve en magasin des produits appropriés, mais il existe des techniques simples et gratuites.

D'abord, on essuie les cordes avec un chiffon dur après avoir joué ; ou simplement de temps en temps si on est flemmard, mais avec vigueur ; ceux qui suent beaucoup des doigts vont voir les deux aiguës se rouiller à grande vitesse et comprendront vite où est leur intérêt.

Quand elles finissent par sonner comme des cordes à linge, on peut enlever les quatre basses, les rouler, et... les faire bouillir! Si, si. Avec un doigt de vinaigre dans les régions où l'eau est calcaire. Puis on essuie énergiquement, on les remonte, et elles sonnent comme neuves. On peut ainsi les conserver jusqu'à ce qu'elles cassent (évidemment, tendre et détendre ne les arrange pas, mais au total on y gagne).

Autre technique simple : les détendre un peu (cordes filetées seulement), et les faire claquer, en montant les cases ; c'est d'une efficacité surprenante.


3) Le rodage

C'est une réalité difficile à concevoir ou à expliquer, et que nient certains luthiers, mais il est manifeste qu'un instrument en bois s'améliore à l'usage, pendant un certain temps. Une guitare neuve a un son « vert », qui manque un peu d'harmoniques. Plus on joue, et plus le son se libère, s'enrichit ; et même (ceci sera affirmé avec les plus grandes précautions), en fonction de la façon dont on joue.

C'est une conviction personnelle, venue de l'expérience personnelle comme celle d'autres musiciens. Les violonistes sont les premiers à la partager, eux qui recherchent tant des instruments anciens (au bout d'un siècle, le violon double de prix). A l'inverse, un instrument qui reste de longues années sans servir s'affaiblit. Parfois, misère! des vers les rongent...

J'ai personnellement constaté par exemple une amélioration incontestable d'une Martin, celle d'un jeune professionnel, en l'espace d'un an, et dans le cadre de deux stages similaires. L'instrument neuf avait une sonorité sourde ; un an plus tard, et après probablement beaucoup d'exercices quotidiens, le son s'était éclairci et avait bien gagné en richesse.

De la même manière, trois Martin D 28, achetées par trois copains passionnés (et célibataires). Des années après, celle qui était la meilleure au départ, peu jouée, avait conservé un son « vert » ; une autre, très jouée mais sans grand sens musical, était devenue puissante et claire, mais sans finesse ; la 3ème, jouée avec puissance et talent, avait beaucoup gagné en harmoniques graves (note de l'auteur : "D'ailleurs, je l'ai rachetée"). J'ai vu aussi une Martin D 35 devenir mauvaise par manque de soins. Et les mêmes effets sur bien d'autres instruments, y compris moins chers.

Le marché de l'occasion d'ailleurs fonctionne bien. Par exemple, Tony Rice, le roi des guitaristes Blue-Grass, possède une Martin de 1934, celle de Clarence White, et ça sonne à se rouler par terre, sacrebleu! Mais sa Santa Cruz neuve est encore meilleure...

Bernard BOUILLON

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La formation des accords

Un minimum de connaissances musicales est indispensable pour comprendre ce qu'on fait. Certains musiciens, en folk, en blues ou en rock, se débrouillent pourtant fort bien en ignorant le solfège, mais pour le commun des mortels, c'est quand même un handicap. Nous ne pouvons pas détailler ici les durées des notes, les mesures, etc.,...suite

il vaut mieux que ces connaissances soient déjà acquises. Ceux qui n'y comprennent rien se contenteront d'apprendre les doigtés d'accords, les rythmes, et de déchiffrer les tablatures.

Un accord, c'est 3 notes au moins qui sonnent bien ensemble. Sur la guitare, avec 6 cordes, les notes se répètent donc à des octaves différentes. Nous utiliserons la gamme de Do, la plus connue, comme exemple de départ.

L'accord majeur comprend la fondamentale, la tierce et la quinte : Do - Mi - Sol. L'accord mineur utilise les mêmes notes, mais la tierce comporte un bémol, elle se trouve à un demi-ton en-dessous : Do - Mi bémol - Sol. Les accords portant un nombre supplémentaire (ex : Do7) sont ceux que nous venons de dire, avec une note supplémentaire ; le nombre indique la place de cette note dans la gamme : Do7 = Do - Mi - Sol + Si (7ème note de la gamme). Mais l'usage veut qu'on appelle Do7 pour simplifier l'accord qui comporte en fait le Si bémol, qui est la 7ème mineure, donc baissée d'un demi-ton. Sinon, on dit : Do Majeur 7ème mineure. Un autre usage, qui est personnel à votre serviteur comme à d'autres, veut qu'on écrive simplement Do pour Do Majeur, et do m pour Do mineur. Notez l'usage astucieux des majuscules ou minuscules. Les accords de 7ème (comme Do Majeur 7ème mineure) sont des accords de transition, qui permettent de passer souplement dans un autre accord, toujours le même (ex : Do - Do7 - Fa, ou Sol - Sol7 - Do, soit 2,5 tons plus haut). Ils permettent aussi de terminer un Blues. Les accords de 6ème ou 9ème s'utilisent fréquemment en Jazz, ou dans un Blues un peu évolué.
L'accord de 7ème diminuée est un cas d'espèce, seul dans son genre et fort intéressant. En voici la recette.
Prenez un accord de bonne qualité en 7ème (en fait, 7ème mineure), Do7 pour changer, soit Do - Mi - Sol - Sib ; conservez la fondamentale Do intacte, et baissez les 3 autres notes d'un demiton. Cela donne : Do - Ré# - Fa# - La.
Si vous savez compter, voici quelle est la transformation des intervalles. Accord de départ Do7 (Do Majeur 7ème mineure) : Do - Mi = 2 tons ; Mi - Sol = 1,5 ton ; Sol - Sib = 1,5 ton ; Sib - Do = 1 ton.
Accord de Do7° (Do 7ème diminuée) : Do - Ré# = 1,5 ton ; Ré# - Fa# = 1,5 ton ; Fa# - La =1,5 ton ; La - Do = 1,5 ton.
Conclusion, cher Docteur Watson? Le même intervalle entre toutes les notes, 1,5 ton.
Conclusion de la conclusion, cher Sherlock Holmes? L'accord 7ème diminuée de Do utilise les mêmes notes que celui de Ré#, celui de Fa#, et celui de La. Il n'existe donc au total que 3 accords de 7ème diminuée : Do, Do#, et Ré ; après, on réutilise les mêmes notes que précédemment. Chaque accord, composé de 4 notes, porte 4 noms différents.
Vous trouverez cet accord par exemple dans l'antique mais inusable Zorro est arrivé d'Henri Salvador : « Et alors, et alors, et alors... ». C'est un accord Jazz, et le grand Henri est un jazzman, do'nt you know?

D'abord, les accords simples, ceux qui utilisent en principe 2 ou 3 doigts de la main gauche, rarement 4 ; certaines cordes résonnent à vide. Ce sont ceux qui permettent de débuter, et sont les plus utilisés. Ils ne sont pas classés en fonction de l'ordre des notes, mais selon les rapports qu'ils entretiennent entre eux pour le doigté.

Puis, les barrés. Ils sont plus difficiles. Un barré consiste à barrer (forcément!) toutes les cordes avec l'index à plat, puis à placer les autres doigts, qui complètent. Aucune corde ne résonne à vide. Le plus indispensable à connaître est celui de Fa Majeur. En fait, il existe peu de doigtés de barrés : on réutilise les mêmes doigtés en déplaçant la main d'une ou plusieurs cases, ce qui fait quand même une substantielle économie de matière grise.

Bernard BOUILLON

Vous avez le choix entre apprendre la guitare avec du texte ou avec des couleurs : LA méthode

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Apprendre les rythmes

La rythmique est un apprentissage indispensable pour un guitariste. Pour être un bon musicien, il faut absolument « faire ses classes », et ne pas prétendre vouloir jouer comme Clapton au bout de 3 semaines....suite

D'abord, la guitare est l'un des rares instruments à fournir à lui seul un accompagnement complet, parce qu'on joue sur plusieurs cordes à la fois, avec des basses et des aiguës. Le piano remplit encore mieux ce rôle, mais malgré la modestie de la tâche, elle exige plusieurs années de pratique ; à la guitare, quelques mois peuvent suffire. Et puis, essayez donc d'emmener votre piano en vacances...

Ensuite, il n'y a pas de bon musicien sans un bon sens du rythme, d'autant que lorsque l'on joue en groupe, on passe quand même les trois quarts du temps à accompagner. Il est donc dommage que les études classiques négligent cet aspect, pourtant si propre à donner à un enfant le goût de l'instrument, autant qu'à se renforcer valablement les doigts, et à habituer l'oreille à la justesse des sons.

RAPPEL PRÉALABLE :
Quelques notions de solfège sont indispensables pour comprendre, et nous les rappellerons éventuellement au fur et à mesure. Ainsi, concernant les rythmes, toutes les durées sont divisibles par deux.

Pour écrire l'accompagnement, comme pour les tablatures (voir plus loin), on a besoin de ce genre de notation, avec quelques astuces supplémentaires à l'occasion.

Il existe plusieurs techniques d'accompagnement :
* Avec les doigts nus, en grattant les cordes : c'est-à-dire que l'on frotte indistinctement l'ensemble des cordes ; avec le gras ou l'ongle du pouce, et le dessus des ongles pour les autres.
* Avec les doigts, en pinçant les cordes : chaque doigt, sauf le plus petit, accroche une corde différente, en tirant avec l'ongle comme quand on griffe sa petite soeur, mais avec moins de méchanceté. En principe, alternativement le pouce seul, puis les 3 autres.
* Avec les doigts, en arpège : les ongles pincent tour à tour leur corde avec régularité ; dans l'ordre : le pouce, l'index, le majeur, l'annulaire, avec allez-retour possible.
* Avec un médiator : c'est un petit triangle de plastique que l'on utilise de différentes manières ; on peut gratter l'ensemble des cordes, ou bien sélectivement, avec des suites de basses, voire des parties de solo en réponse au chant. Les mauvais guitaristes cognent indifféremment en faisant un maximum de bruit qui les force à brailler encore plus fort.
Voici quelques rythmiques pour suivre.

1) Battements avec les doigts

Chaque rythme est évidemment à essayer sur un accord ; le plus simple, pour commencer, c'est mi mineur. Le premier temps de chaque mesure est toujours un temps fort ; on peut le mettre en valeur en tapant du pied (attention quand même aux voisins).

RYTHME À 2 TEMPS :
C'est celui de bien des chansons de Brassens, régulier : 1, 2, 1, 2... = tchac, poum, tchac, poum... (rythme cardiaque, ou militaire, mais en plus mélodieux).
Le gras du pouce (le côté extérieur) frotte d'abord les cordes les plus graves (ne pas chercher à choisir, cela vient naturellement), puis les 4 autres doigts se détendent pour que le dessus des ongles vienne gratter l'ensemble des cordes (là encore, naturellement, on fait résonner davantage les aiguës) ; et on recommence. Imaginez que vous donniez une pichenette à une mouche, mais avec les 4 doigts : cela vous indique leur mouvement.

RYTHME À 3 TEMPS :
Même type de battement, mais on redouble le 2ème mouvement, des 4 doigts, pour obtenir un rythme de valse : 1, 2, 3, 1, 2, 3... = tchac, poum, poum, tchac, poum, poum...

RYTHME À 4 MOUVEMENTS :
Attention : 4 mouvements ne signifient pas forcément 4 temps, bien que les gestes soient identiques. Un 4 temps donnerait ceci : 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4...
Mais on peut faire swinguer, et passer en 6/8 : ...1-2, 3-4, 1-2, 3-4...
Remarquez toujours l'utilisation astucieuse des caractères gras pour marquer les temps forts, ceux où l'on tape du pied. En fait, la numérotation précédente est fausse (mais pratique) : il faudrait compter six temps (représentés par des croches, la croche étant l'unité en 6/8), en remplaçant deux d'entre eux par des silences, là où nous avons mis des virgules.

Bernard BOUILLON

C'est compliqué non ? nous vous proposons cette méthode : apprendre la guitare

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Apprendre les gammes

Les gammes guitare sont des suites logiques de notes (qui se suivent) qui sont jouées sur toute la longueur manche de la guitare. Il s'agit d'éléments essentiels, quand il s'agit de la mise en pratique de la guitare....suite

En somme, on a énuméré trois gammes particulières à la guitare, lesquelles gammes se doivent d'être impérativement connues de tout individu désireux d'apprendre à jouer de la guitare. Aussi, ces gammes permettent le déliement des doigts et constituent le socle pour s'engager dans l'étude des solos de guitare.
Alors, les gammes particulières à la guitare sont au total de trois: gamme majeure, la gamme mineure et la gamme de blues.

Pour commencer, entre les frettes de toute guitare, l'intervalle est de ½ ton. On définie les gammes à la guitare en fonction des intervalles de note suivants: ton - ton - demi-ton - ton - ton - ton - demi-ton; chaque ton est définie comme étant la distance entre deux notes consécutives. Ces intervalles vous assurent l'écriture d'un grand nombre, sinon de toutes les gammes majeures. On note donc qu'il existe un ton entre Do et Ré, Ré et Mi, Fa et Sol, Sol et La, La et Si. Parlant des demi-tons: Mi-Fa et Si-Do.

Les gamme majeures, dans ce cas, sont les gammes les plus utilisées en matière de blues, solo de country et de rock majeur. Elles représentent le socle même de la guitare. Dès qu'elles sont maitrisées, les gammes majeures vous faciliteront l'apprentissage de la guitare. Les notes qui forment la gamme majeure sont, dans l'ordre qui suit: Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La-Si-Do.

Parlant des gammes mineures, on en recensé 3 différents types, tels que: la gamme mineure mélodique, la gamme mineure naturelle et la gamme mineure harmonique. Les gammes mineures représentent les gammes les plus utilisées après les gammes majeures. La présence des tons et demi-tons équivaut précisément à celle des gammes majeures, mais se différencie par leur mise en place.

La gamme mineur harmonique est une gamme mineur naturelle à laquelle on ajoute une sensible, c'est - à - dire une dièse. Les notes se suivent comme suit: ton - demi-ton - ton - ton - demi-ton - ton et demi - demi-ton.

La gamme mineur mélodique, quand à elle, est formée de 2 éléments: l'ascendante et la descendante. Elle a pour but de se mettre à l'abri de l'intervalle "interdit" en notation occidentale, cependant très présente en musique asiatique. Cet intervalle équivaut à l'intervalle mélodique de seconde augmentée.

En résumé, les gammes sont indispensables à connaitre, voire même à assimiler dans le but d'une compréhension élargie et effective de l'apprentissage de la guitare.

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